音樂演奏上，什麼叫做「忠於原味」？
古典音樂復古風盛行，也伴隨著各種不同的嘗試與探究。小提琴家族的器樂演奏在這股潮流中，顯示出兩大趨勢：一是用過去的提琴來演奏，所以很多製造商利用從前打造提琴的方式來製作樂器，希望拉出從前那個時代的聲音。另外一種趨勢會是更大的挑戰；音樂家們不用過去的樂器，而是藉由拉奏的技巧，照樣可演奏出過去那種聲音美學。
其實這牽涉到整個社會文化品味的改變。
古典音樂因為演奏對象的關係，在從前分為兩大類型。一種是市井小民或勞力階級餘興用的民俗音樂，很多都是在街頭演出的舞曲，使用的樂器比較簡單。相對地，在宮廷裡專門演奏給貴族聽的音樂就比較精緻，結構也較複雜，有點像中國古代的雅樂。
法國大革命，改變了這個態勢。除了在教堂演奏的宗教音樂之外，原本壁壘分明的宮廷音樂及市井小民音樂，慢慢做了結合。有些舞曲從中南美洲引進歐洲以後，也都經過作曲家改成較精緻的形式，成為宮廷音樂。這股風潮到了工業革命的十八世紀末、十九世紀初進入高峰期。古典音樂不再是金字塔尖端的人，才有權利享有的精緻藝術。
音樂的演出場所，也隨之改變。從前精緻音樂演出，都在宮廷的大廳裡（ballroom），挑高六米，音響效果好。這樣的大廳，最多也不過容納兩、三百人，因此巴洛克時期樂器的音量足夠應付。但是表演藝術趨於大眾化之後，漸漸出現了兩千個座位的音樂廳。這種聲音美學的改變，也促使樂器改良，追求能彈奏出更大的聲響。
忠於原創風格
今天我們演奏兩、三百年前作品，究竟怎樣才叫「忠於原創風格」？是用當時的樂器，想辦法還原當時的感覺，或是揣摩那時的聲音演奏？實際上，兩者皆不可能完全回到過去，但這種復古風的精神是可貴的，它帶給演奏家許多不同的視野。
從音樂來看，十九世紀末、二十世紀初的美學，幾乎主宰了整個二十世紀。簡單而言，就是看誰能把聲音拉大，填滿兩千人的音樂廳。因為，有層次，聲音聽起來才有深度、有思考。如果只有聲響變化，聲音出來是平面，不是立體。
過去三、四十年，歐美有很多人開始做「復古」「溯源」的探討，使許多不用巴洛克小提琴演奏的音樂家開始思考：是不是改變拉法，也可以用現代樂器表現出巴洛克風格？其實關鍵就在於我們耳朵要聽到什麼聲音。
這次要來台灣的柏林愛樂巴洛克獨奏家團就是從這個角度去嘗試。
幾年前他們第一次來台灣連續演奏兩場，第一場是巴哈作品，第二場是韋瓦第的「四季」。我們今天常看到的現代拉弓方式非常飽滿，是從頭拉到尾。但是他們把聲音提起來，拉得比較輕，甚至大提琴拿弓的位置還往前一點，聲音也就因而改變了。一般現代樂團特別加強低音部分，但十九世紀的低音有很好的共鳴，不是那麼重。所以柏林愛樂巴洛克獨奏家團把低音「減肥」，如此一來，高音也就不必拚命拉，好像嘶吼一般，低音和高音音色的層次也就拉出來了。
我記得上次去聽巴哈的人沒有聽「四季」那一場人多，但那是我聽過最好的巴哈音樂會之一，也是我第一次在國家音樂廳聽到每個音都那麼乾淨、那麼清清楚楚。尤其樂團齊奏時，效果非常震撼，表示他們掌握的時間點非常好，聲音既乾淨又有力，而且那種力量是張力，不是聲響的大小。
「四季」表達個人內心感受
這次他們來台灣演奏的曲目，是古典音樂中永恆的經典「四季」小提琴協奏曲。
韋瓦第這個作曲家其實很有創意，他最大的貢獻，就是開發了小提琴在各種不同領域中的可能性。從技術性而言，韋瓦第的音樂，比他的前輩作曲家延伸到更高的把位，這對當時的樂器而言，大幅增加了演奏的難度。
而從音樂面來看，「四季」是韋瓦第第八號作品的前四首，他這套作品共有十二首，真正的標題是「和聲與創意的競技」（The contest of harmony and invention）。於是，他從這個角度寫了「四季」。
「四季」可說是最早期、也最有名的主題音樂（program music）。它不止只有「春、夏、秋、冬」等標題，韋瓦第在每一個樂章、每一個主題都寫了一行詩，代表一個意義。這個作品，影響到後世「田園」「幻想交響曲」，甚至李斯特、華格納交響詩等許多主題音樂的出現。
但韋瓦第的「四季」不純然只是大自然變化等表面事物的瞭解。這部作品的內涵、特色，以及他如何去抓住這些特色的精神，是「四季」最成功的地方。樂曲中，不僅描寫大自然景觀的不同，更透過人的角度去體會四季變化的不同。
韋瓦第的嘗試，讓音樂不再是純粹的模仿動物聲、自然界聲音，而是人內心的感受。雖然「四季」的「內心戲」尚未到貝多芬「田園」的程度，但起碼韋瓦第已碰觸這個議題。（以上內容由東吳大學音樂研究所彭廣林博士口述，台北愛樂電台郭大微整理）
