如果你問古典音樂人口中，有多少人喜歡聽歌劇，比例恐怕不高。如果你再問這些人，有誰喜歡華格納的作品，答案將是少之又少。但可以肯定的是，他們一定是華格納死忠樂迷。
國內對威爾第、普契尼所寫的義大利歌劇已耳熟能詳。但我記得一直到1994、1995年，台灣才首次上演全本華格納歌劇「漂泊的荷蘭人」。那時台北市立交響樂團三個小時沒有間斷的演出，對聽眾完全是耐力考驗。我坐前排，只覺得進場很多人，但散場時回頭一看，座位空了許多。因華格納音樂一向聲響很大，坐前排的我，根本沒察覺到他們何時起身離開。
華格納歌劇中的文學性，設立了第一道障礙。一般人對拉丁語系——如義大利文、法文——歌劇的語法、聲調較為熟悉，要進入劇情相對比較簡單。但欣賞華格納歌劇，最好有點德國語言、文學基礎，才容易進入。即使去除語言隔閡因素，華格納歌劇雖然題材也不出男歡女愛，但劇情發展比拉丁語系歌劇冗長，也導致觀眾接受度降低。
「女武神」最平易近人
這次國家交響樂團將以音樂會形式演出的「女武神」第三幕，即是華格納著名作品「尼貝龍根的指環」的終結高潮。「尼貝龍根的指環」是敘述眾人爭奪指環的故事，充滿權力糾葛。這部作品改編自歐洲神話，劇情結構龐大，整個時空背景和人物角色複雜，全劇數得出來的重要人物就有三、四十人之多。而「女武神」是整部作品出場角色最精簡、劇情最平易近人的段落。
華格納最大的成就在於他摒棄義大利傳統美聲歌劇的形式，而把德國音樂史上「樂劇」形式（Musikdrama，用音樂歌聲表現的一種文學性的戲劇）發揮到顛峰。在自負的華格納眼裡，十八、十九世紀以來的歌劇，只著重炫耀演唱家的歌聲表現，毫無藝術價值。因此他大力改革，一心一意要寫一齣融合戲劇、歌聲、文學的舞台作品。他認為義大利歌劇「唯美派」的文字顯得「肉麻」，不是用來推展劇情、展現文學性之用。義大利歌劇往往一唱到詠歎調部分，劇情似乎就停下來，讓大家「聽歌」。所有劇情的發展都是在詠歎調以外的段落。華格納在樂劇中並不把歌聲列為最重要，他認為歌聲只是一種樂器，歌聲和樂團演奏，目的就是要幫這種具有文學價值的戲劇做發展，因此對於聽慣義大利歌劇的人而言會很吃力。
這次簡文彬指揮國家交響樂團演出的「女武神」第三幕，可完整呈現華格納的文學創作功力。其中描述天神沃坦和女兒布林希德（Brunnhilde）對話訣別的情節，華格納花一個半小時表現。他慢慢鋪陳角色情緒，最後使劇情達到白熱化的高潮。
考驗歌者詮釋功力
在這個段落中，華格納不但用整個樂團的巨大聲響描繪出火神出現、天神震怒的場景，也在女兒向父親告別，一步一回頭時，安排了父親角色大約三十分鐘的獨白。這段音樂可說是華格納所有樂劇中最美的樂段；飾演沃坦的演唱家，必須隨著音樂跳接，一下唱出神的威嚴、一下跳回父親的慈愛，充分對比出天神和父親兩種身分、雙重性格交雜的矛盾情緒，更可以真正展現歌者詮釋的功力。
父女對話的劇情，在威爾第「茶花女」「阿依達」歌劇中完全用不同手法表現。如果華格納著重的是「內心戲」，威爾第則用節奏緊湊、戲劇張力十足、且只有短短十分鐘的二重唱，讓歌者盡情發揮、聽者感動不已。
華格納用音樂寫景的功夫，在本幕的開場樂段表現淋漓盡致。這幕描述八位騎著駿馬的女武神從天而降，要到人間戰場把英勇戰士的屍體帶回天庭，成為天兵天將。音樂開始，弦樂聲部像狂風襲來，布滿飛沙走石；突然銅管樂器的咆哮聲出現，帶著女武神衝破煙霧。
這麼一部管弦樂聲部複雜、樂器編制龐大的作品，在在挑戰演唱家、樂團和指揮的實力。今年三十五歲的國家交響樂團音樂總監簡文彬，從小就是音樂班小天才，念完國立藝專，即赴奧地利國立維也納音樂學院學習指揮，不但在國際大賽獲獎，也經歷歐洲著名的歌劇院和樂團指揮。簡文彬在歐洲樂界的地位，就是奠基於他指揮歌劇的卓越名聲。因此，這場音樂會可說是正式揭開簡文彬時代的序幕；接下來，他還將率領國家交響樂團演出「布蘭詩歌」「托斯卡」，以及明年的「奧泰羅」等歌劇名作。（以上內容由台北愛樂電台「台北歌劇院」節目主持人邢子青口述，郭大微整理）
