在歐美，DV8與德國碧娜．鮑許（Pina Bausch）的烏帕塔舞蹈劇場、美國比爾提．瓊斯（Bill T. Jones）的舞團，並列當代三大重要現代舞團。
創團26年來，DV8共推出17齣作品，拿下國際49座獎項，每每表演，總涉及性別、精神疾病與宗教等爭議禁忌而引爆話題。而DV8融合多媒體裝置、舞蹈與戲劇，前衛跨界的表演方式，在世界各地也被視為必定朝聖的節目。
這個風格強烈的表演團體如何誕生？帶來台灣的表演又有什麼企圖？
DV8創辦人洛伊 舞出框架外
DV8的創辦人與核心人物是洛伊．紐森（Lloyd Newson）。出生於澳洲的他，在墨爾本攻讀心理學時，對學術思考充滿困惑，卻非常好動。畢業後，他先後在澳洲與紐西蘭的舞蹈公司跳舞。申請到獎學金後，就赴英國的倫敦當代舞蹈學院念書一年。 不管是洛伊．紐森本人，或DV8的作品，風格都特異獨行，再加上他經常不給媒體拍正面照，因而被稱為現代舞的「怪咖」。但，若講起啟發紐森獨立創團的人是碧娜．鮑許，或許就見怪不怪了。
1982年碧娜到倫敦的演出，顛覆當時舞蹈界的想像，不少觀眾直接離席；演出後，評論家更以「沒有結構」「自溺」與「根本不是舞蹈」強力批評，但碧娜毫不理會。
那年，紐森剛好在倫敦。碧娜打破框架、充滿視覺張力的舞台表演，帶給他無法用語言無法言明的經驗，開啟他重看世界的視角，更重要的是，「她教我要勇敢追求自己想要的，而非取悅大眾，她深具遠見與勇氣，才能不受傳統狹隘的舞蹈所限制。」
透過肢體動作探討禁忌議題
1986年，當紐森發現大多數現代舞團多停留在沿襲歷史與模仿他人，徒陷於美感形式時，他終於毅然決然自立門戶。
創團伊始，DV8就不打算囿於舞蹈或是劇場等任何一種框架，所以以「肢體劇場」（physical theatre）命名，不願被定位。
所謂「肢體劇場」，是一種介於舞蹈與劇場之間前衛的表演方式，不以音樂或劇本等原著為本，而是從身體與多媒材的互動，表達各種社會心理議題。
比如說，性別。紐森很早就公開出櫃，1986年的創團作品《我的性，我們的舞》（My Sex，Our Dance）以錄像記錄他與當時伴侶的同性戀生活，並搬上台表演，結合舞蹈，驚駭大眾，卻也開啟身體政治的思考：男人如何成為男人？男子氣概嗎？身體羞恥如何讓他們對許多事沉默等。
不過，奠定紐森在國際舞台地位的，當屬2000年雪梨奧運會上首演的《消費人生》（The Cost of Living）。那年，台灣雲門舞集也受邀前往表演《水月》。當時隨行採訪、現任台北藝術節行政總監的徐開塵回憶，一行人包括雲門舞集創辦人林懷民等，專程去看DV8的表演，並且深深被「撞擊」。
西方舞蹈中，不管是芭雷舞或現代舞，舞者通常不是體態優雅、動作敏捷，就是舞姿翩翩，不太可能找一群不受主流價值觀推崇的素人演出。
但紐森找來17名從23歲到72歲不等，不少為非一般體型的素人，從他們的視角出發，對比世俗的價值觀，讓人深切省思：我們如何定義一個人的美醜與價值？從他的身材、年齡或體型？
「你能想像72歲的老太太、體重超標，渾身的肉不斷顫抖的肥胖者、還有雙腳殘廢，只能靠上臂走路的肢障者等上台自在的跳舞嗎？」徐開塵的口氣依然覺得不可思議，但這十年來，她仍常想起那場表演，提醒自己勇敢面對生命的有限與缺陷。
拋開聳動 採議題導向創作法
讓人疑慮的是，DV8經常處理禁忌議題，難道不會流於聳動，徒添刻板印象，甚至消費邊緣族群嗎？
徐開塵指出，這正是紐森的厲害之處。
在藝術市場萎縮的年代，DV8非常幸運能以議題導向的方式創作，兩到三年才舉行公演。每一次表演探討的議題絕對是紐森認真在思考的事，而非一時興趣。
因為受過心理學的訓練，使他擅於發掘人的狀態，而且非常重視田野調查，也就是事實。一名外國記者在回顧採訪紐森的經驗時就提到，紐森回答的每一句話都有考證與數據，加深了他所探討議題的重量。
近年來，紐森關心的議題從性別逐漸轉向伊斯蘭宗教的問題。
在前作《To Be Straight With You》中，紐森共採訪英國85位擁有信仰或是同性戀的人，或因信仰放棄性向，問他們怎麼看婚姻與宗教，並且，在倫敦街頭訪問人們怎麼看待同性戀。沒想到，最後呈現的數據與事實非常驚人，也讓人難過。
來台演出 探討宗教與人權
DV8此次來台要在高雄春天藝術節進行台灣首演的《Can We Talk About This？》延續前作，但更深入伊斯蘭教的人權議題。 首演的影音片段中，男女不斷交辯，舞者像是被操控般木偶律動，或被無形的凌虐處罰。據西方評論表示，很是沉重。
為了這次表演，紐森採訪超過40人，試圖揭開現代西方自由主義國家害怕挑戰伊斯蘭教人權問題的真相。
「言論自由」對當今許多台灣人來說，有如空氣，一點也不稀奇，還有人會抱怨言論太過自由。但在伊斯蘭教的世界，這四個字，卻依然是難以碰觸的禁忌。丹麥《穆罕默德漫畫》事件引起基督教與回教的爭戰駁火，就是一例。
DV8此次大膽探討伊斯蘭教的言論自由、著作審查自由的問題，觀眾在精采震撼的表演中，也能深思多元文化的意義。
什麼是肢體劇場？
肢體劇場（Physical Theatre）發展至今，有許多不同的定義與流派，但共通的特性包括：
（1）很少改編原著劇本，而是從身體與多媒材的互動，表達各種社會心理議題。
（2）表演方式橫跨音樂、視覺藝術、舞蹈、戲劇與多媒體裝置的專業。
（3）觀眾並非被動欣賞，而是與表演者相互激盪想像力。不少評論家認為，肢體劇場深受德國劇作家布萊希特（Bertolt Brecht）的史詩劇場影響，強調運用疏離的效果，讓觀眾在欣賞之餘，可加以判斷，才有機會改造社會。
5月搶先看
5月分精采表演眾多，包括比利時當代舞團所帶來的《梔子花》，以及兩部西方經典改編：兩廳院重編王爾德的《不可兒戲》與台南人劇團改編契柯夫的《海鷗》。
其中，台灣本土的秀琴歌劇團新作《歌仔新調－安平追想曲》（5月4日～6日），台南成功首演後，將首次登上國家戲劇院。兩廳院推廣服務部經理韓仁先觀察，秀琴歌劇團在傳統戲曲界，無論演員個人的風采唱腔，或整體戲劇表現一向優異。此次演出新編《歌仔新調》，以發生在台南安平的異國戀情為主軸，發展出戲中戲，搭配當地風土民情的投影，讓觀眾渾然置身劇中時代。此外，音樂雖為新編，卻也融合傳統優美歌仔調，十分動聽，質感細膩。
音樂總監周以謙的作曲、編曲，尤其備受肯定，果陀劇場藝術總監梁志民也嘉許：「真正達到『無聲不歇』的層次……，詩畫般的場面，讓人沉醉。」
