2000年的金曲獎，最令人印象深刻的畫面是，亂彈阿翔在領「最佳演唱團體獎」時登台高呼：「樂團的時代來臨了！」（本文摘自《昨天的孩子》一書，作者為瑪莎，以下為摘文。）
當然阿翔講那句話的時候，對我來講是鼓勵大於宣示。因為那時候玩樂團的人愈來愈多，除了新增的Live House提供演出機會，當時的學生也開始會自辦音樂祭或表演。
在此之前，Yamaha會固定舉辦熱門音樂大賽，還有友善的狗發行過《地下音樂檔案》系列作品，同樣讓台灣的樂團文化漸漸浮上檯面，儘管聽眾還是不多。
對於樂團觀眾生態的改變，伍佰在Live House掀起的演出熱潮帶來很大的助力。他在「Live A Go Go」演出《枉費青春》時，我跟阿信都還在念高中，也不管下午還有第8堂、第7堂課，我們就翹課去排隊。
一張票才500，你看不看？看啊！雖然未滿18歲，但那時好像也不會有人抓。只是天知道我們去看的那場演場會居然有錄影、錄音？後來影像釋出，我們看見自己在人群裡面，都嚇壞了。
我覺得和我一樣在80、90年代成長的小孩，聽的唱片愈來愈多，這和媒體變化有關。在我升上國中之後，有MTV可以看，接觸到的音樂就愈來愈多。
剛好到高中、大學時最沒經濟壓力、時間也最多，想要很帥很酷，就會開始學吉他、玩樂器。學了以後，自然想組團，組團後又想要演出，於是開始知道哪些地方可以排表演，有什麼固定的樂團會演出。
當年玩團和現在最大的差別是，要被看見、聽見比較難，當時沒什麼網路社群好經營，因此會花很多時間鍛鍊演出技術，並且想辦法「喬」場地表演，因為沒網路，只能用現場來當作宣傳管道、證明自己的存在，絕不可以缺席「春天吶喊」、「野台開唱」等幾個比較大的表演。
對那時候的高中生或大學生來說，樂團還是剛發芽的新東西。所以根本也沒想過，要用唱片或音樂這件事情養活自己，甚至得獎。
我還記得，我們高中玩樂團的時候，覺得未來最理想的狀態就是：平常有工作可以做，晚上下班後，去哪個Live House兼職，有一點收入，還可以碰碰樂器；如果每年有「野台開唱」或「春天吶喊」這種音樂節可以去表演、玩一下，就再好不過了。
20年來，觀眾看樂團的角度不一樣了
阿翔在金曲獎上講完那句話之後，先不管你認為「樂團的時代」應該是什麼定義，至少現在你去路上隨便抓10個人，問他們吉他跟貝斯的差別，絕對跟2、30年前不一樣，有比較多人知道這兩種樂器的差別；現在你問年輕人對樂團的定義，跟20年前你問大家對樂團的定義，回答也一定不一樣。
就一個玩樂團的人的角度來看，我覺得這就是很大的進步和差異。
2、30年前，大家都還認為玩樂團的人就是要穿皮衣，或有一些刻板印象，好像只有玩重金屬、Hard Rock，或者是龐克，才叫做玩樂團。
但現在的樂團玩的類型愈來愈不一樣了，不必非得電吉他開破音才叫玩團。而且以前樂團為了要存活下來，什麼風格的歌都練，直到要發展自己的創作時才開始摸索想要的風格方向，但現在，很多人一開始玩團，就確立好風格，知道自己的方向了。
這些事情證明，現在大家看待樂團的態度是比較成熟、多元的。包括檢視的標準，以前可能會用相對嚴格的角度去審視詞、曲與創作主題，或者對於樂團的唱歌技巧要求相對寬鬆。
但現在也能很明顯地感受到許多不同，樂團創作的多元性和可能性更多，很多樂團主唱的歌唱能力也不亞於不少頂尖的歌手。
我高中的時候聽艾瑞克‧克萊普頓《Unplugged》，發現他很多時候沒有唱歌而是在吉他獨奏，可是現場觀眾聽到一段很精彩的演奏後就會拍手尖叫。
這種狀況以前在台灣很少發生，誰會接受一段solo超過1分鐘？20年前你只要開始solo，觀眾就找時間上廁所去了。但現在反而他們還會期待你solo，因為他們懂得去欣賞樂器的精彩表現，知道樂器的表現也是一首歌的情感呈現很重要的一部分，並且不會吝嗇他們的掌聲。
鑑賞能力的提升，源於大家至少知道每個樂器在做什麼，而不只是把樂團當成「合唱團」，除了主唱之外其他團員都只是伴奏的樂手。
自己有時候會在網路上和人家講一些關於貝斯手的笑話，也發現現在不是只有樂手才看得懂、才會笑。對我來講，某種程度上這也是一種「樂團的時代來臨了」。
